Con su immensa dignidad y flema británicas puestas al servicio de multitud de personajes, Norma Varden fue la única posible sucesora de Margaret Dumont. Su aspecto de matrona victoriana y su capacidad innata para caer en la cursilería -eso sí, del modo más elegante- la hicieron ideal para elaborar un prototipo de dama de clase alta que, a diferencia de la gran Dumont (a costillas de la cual se reían los Hermanos Marx), sabía mofarse de sí misma cuando la ocasión lo requería. Varden aportó a Hollywood un barniz de juego de té de porcelana china y de british cookies tomadas con guante blanco de una bandeja de plata imprescindible en muchísimas comedias producidas en los años cincuenta y sesenta, junto a otras importaciones made in Britain de la calidad de Hermione Gingold o Margaret Rutherford. 
Nacida en Londres en 1898, Norma Varden fue una niña prodigio que a muy corta edad tocaba el piano, por lo que sus progenitores decidieron enviarla a estudiar música a París. Años después, decidiría cambiar la vocación musical por la de la interpretación, viendo en esta última mayores posibilidades de encontrar una salida profesional. Su debut en el West End londinense se produjo en 1920, pasando a formar parte de la compañía del Aldwych Theatre en la cual se establecería desde 1929 hasta 1933. En 1931 había comenzado a trabajar en películas británicas en las que -abocada a lo que sería una constante en su carrera- aparecía, generalmente, en roles de dama de la alta sociedad.
Una visita a California buscando el clima cálido de la costa del Pacífico para tratar de restablecer la salud de su madre -ya viuda- a principios de los años cuarenta la decidió a permanecer en Hollywood, donde pronto fue una presencia notable en películas como "Casablanca", "The White Cliffs of Dover" o "Forever Amber". En 1951 se puso a las órdenes de Alfred Hitchcock en "Strangers on a train", y en 1953 fue Lady Beekman, la encopetada esposa de Charles Coburn, en la deliciosa comedia de Howard Hawks "Los Caballeros las prefieren rubias" junto a Marilyn Monroe y Jane Russell. En 1957 sería Emily French, la adinerada víctima de los manejos de Tyrone Power y Marlene Dietrich en "Testigo de Cargo", de Billy Wilder. Su último personaje de relevancia fue en "Sonrisas y lágrimas" (1965) como Frau Schmidt, el ama de llaves de la numerosa familia Trapp en el musical de Robert Wise protagonizado por otra insigne británica, Julie Andrews. En esta película, Varden estuvo a punto de hacerse con el importante papel de la Madre Superiora, aunque este, finalmente, fue a parar a manos de Peggy Wood.
Si bien la actriz inglesa no volvió a reverdecer laureles en la gran pantalla, donde aceptaría interpretar papeles casi inexistentes en unas cuantas producciones de poca trascendencia, Varden se prodigó con garbo en la television a partir de 1952, apareciendo en diferentes programas como "I Love Lucy", "The Loretta Young Show", "The Real McCoys" o "The Betty Hutton Show". En la década de los sesenta, coincidiendo con la era dórada de las series en color, apareció en algunas de las más famosas producciones para la pequeña pantalla. Desde la acción de "Batman" hasta la mágica "Embrujada", de las aventuras detectivescas de "Perry Mason" a la fantasía de "Disneyland", Norma Varden aportó su personalidad y talento a una época irrepetible de la televisión. Asimismo, interpretó con regularidad el papel de Harriet Johnson, la vecina de los Baxter, junto a Shirley Booth en la entrañable "Hazel".
Norma Varden, que se mantuvo siempre soltera, se retiró en 1969 poco después de la muerte de su madre. A partir de ese momento, se volcó en su labor como portavoz del Screen Actor's Guild, donde se esforzó en conseguir mejores beneficios médicos para el colectivo de actores y actrices retirados. Varden falleció el 19 de enero de 1989, un día antes de su 91 cumpleaños.
De entre todas las starlettes que pasearon su belleza por la gran pantalla durante la década de los cincuenta, destacó Carolyn Jones, dotada de un talento actoral muy por encima del de la mayoría de sus condiscípulas. En unos años en los que la abundancia anatómica era moneda de cambio frecuente en los grandes estudios de Hollywood, Jones -delgada, con ojos saltones y aspecto de gorrioncillo recién caído del nido- supo hacerse un hueco en la historia del cine, sin duda ayudada por su participación en dos películas que han permanecido como referencias ineludibles del cine de horror y de ciencia ficción de los años cincuenta ("Los Crímenes del Museo de Cera y "La Invasión de los Ladrones de Cuerpos") y por una nominación al Oscar de la Academia por su papel en "The Bachelor Party" en 1957, distinción que la situó en una inmejorable posición para esperar la llegada de buenos papeles protagonistas que, sin embargo, nunca acabarían por llegar.
El pájaro Do-do de Warner Bros. debutó en un cartoon de Porky Pig, "Porky in Wackyland" (A Warner Bros. Looney Tunes, Robert Clampett, 1938). Su aspecto delataba a mil leguas su naturaleza freakie, y habitaba en un país del Africa más negra y profunda, Wackyland (algo así como "país de chiflados"), a donde llega el aguerrido explorador Porky para tratar de atraparlo y cobrar la magnífica recompensa que se ofrece por él. El confiado cerdito no tarda mucho en darse cuenta de que ha ido a parar a un lugar lleno de personajes estrambóticos y enloquecidos, donde todo es posible y nada es lo que parece. El pájaro Do-do, además, pondrá todos los medios a su alcance para escapar de su perseguidor, en un decorado absolutamente surrealista y más que remotamente inspirado en los paisajes de Salvador Dalí. Este cartoon ostenta el número ocho entre los 50 Greatest Cartoon of All Time elegidos por importantes miembros del mundo de la animación, y fue considerado "culturalmente significante" por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos.
Años después, fue producido un remake en color de este corto, "Rough for the Do-do" (A Warner Bros. Merrie Melodies, Fritz Freleng, 1949), que recuperaba los mismos personajes en un argumento prácticamente calcado del anterior, y que reproducía algunos planos exactamente iguales que su antecedente. Los dalinianos fondos fueron obra, esta vez, del gran Paul Julian, más tarde uno de los nombres clave en la UPA.
Actriz de indudable talento cómico y dotada de una particular voz nasal que explotó en infinidad de personajes, Alice Pearce no consiguió en la industria del cine los laureles que, obviamente, merecía. El de Pearce es uno más de los casos en los que el trabajo de los actores de reparto eleva considerablemente la calidad de las producciones en las que aparecen, poniendo su profesionalidad y savoir faire al servicio de asuntos que no les llegan ni a la suela de los zapatos. Gladys Pearce, menuda y considerablemente fea -lamento ser tan cruel, pero quiero ser totalmente objetivo- se convirtió en el contrapunto jocoso de múltiples películas para la Metro Goldwyn Mayer, estudio proverbialmente patoso con el material de primera que tenía entre las manos, y para el que repitió su papel de amiga poco agraciada de la guapa protagonista tantas veces como le fue requerido. Por fortuna, su absoluta falta de complejos fue su mejor aliada, sirviéndole incluso para aparecer en la publicidad de una marca de productos de belleza junto a la hermosa Joey Heatherton, una imagen que explotaba hasta el límite de la mascarada su lado más freak. 
El teatro, en cambio, fue más considerado con esta actriz, siendo durante los años cuarenta y cincuenta una de las más populares personalidades de Broadway donde triunfó en diferentes comedias y espectáculos musicales. La televisión, finalmente, fue quien le otorgaría la gloria imperecedera con su personaje de Gladys Kravitz en la serie "Embrujada", en la cual se mantendría durante dos temporadas hasta su muerte en 1966 y para la que creó un arquetipo de vecina chismosa y entrometida que el público de medio mundo, todavía hoy, no ha podido olvidar.
Gladys Kravitz, la vecina next door de Darrin y Samantha Stephens en "Bewitched", fue un personaje que Alice Pearce bordó de manera magistral, convirtiéndolo en un icono clásico de la television americana. Desde el segundo episodio de la primera temporada de la serie, en el que la pareja protagonista, recién casados, adquieren el que será su hogar en el 1164 de Morning Glory Circle en Westport, Connecticut (en realidad, unos terrenos en Burbank, California, cerca de los estudios Disney), Gladys Kravitz se convertiría en uno de los pesos pesados de la producción junto a su sufrido marido, Abner Kravitz (el actor George Tobias). Su obsesión por saber la verdad acerca de su insólita vecina Samantha Stephens -a la que ha visto en múltiples ocasiones haciendo uso de sus mágicos poderes- la hará ponerse en las más descabelladas situaciones, siempre al borde del colapso nervioso. Su marido, Abner, nunca creerá una palabra de los cuentos de brujas que le refiere su mujer, a la que considera víctima de terribles alucinaciones. Los gags con Pearce y Tobias eran, frecuentemente, los más hilarantes de la serie, presentando al matrimonio Kravitz siempre discutiendo acerca de sus nuevos vecinos. Abner, tremendamente flemático, nunca perderá los nervios delante de las acaloradas escenas organizadas por su histérica esposa, a la que en muchas ocasiones acabará administrando un jarabe para calmar su ansiedad. 
Alice Pearce, diagnosticada de cáncer de ovarios desde mucho antes de comenzar el rodaje de "Bewitched", ocultó su enfermedad durante varios años, hasta que su mal se evidenció en demasía al terminar la segunda temporada de la serie. Sandra Gould, notable y entregada interpréte, se hizo cargo del personaje de Gladys Kravitz, pero no consiguió que la audiencia olvidase la irrepetible caracterización de Pearce. La actriz murió el 3 de marzo de 1966 a los 48 años, siéndole concedido un premio Emmy a título póstumo por su personaje en "Embrujada", del que llegó a decir que era su favorito entre todos los que interpretó en su corta existencia.
Después de la forzosa inactividad provocada por la guerra de 1936-1939, Cifesa lanzó una serie de dibujos animados con su personaje "Quinito", aunque los resultados no fueron los que se esperaban. Esta falta de recompensa hacia el gran esfuerzo que era preciso realizar para trabajar en el campo de la animación desanimó a la mayoría de los artistas, que no dudaron en dar el salto a la ilustración, al comic o a la publicidad, actividades todas ellas infinitamente más rentables.
"Garbancito de la Mancha", personaje de raigambre popular y de evidente trasfondo quijotesco, luchará contra las fuerzas del mal encarnadas en la Tía Pelocha, una bruja que se convertirá en su peor enemiga. Gracias a la ayuda de su Hada Madrina, la cual le concederá el don de poderse convertir en un ser tan pequeño como un garbanzo, salvará, junto a su fiel cabrita Peregrina, a sus amigos Quiriqui y Chirili de las garras del gigante Caramanca y de los ardides de los malvados Manazas, Pelanas y Pajarón. La productora Balet y Blay dio continuidad a las aventuras de este personaje en 1948 con "Alegres Vacaciones", realizada por Arturo Moreno y dirigida por José María Blay, en la que -en clave contemporánea- se repasaba la geografía española desde un punto de vista eminentemente turístico. 
"Garbancito de la Mancha" esconde, bajo su apariencia de infantil historia de buenos y malos, una segunda intención propagandística promovida desde el régimen franquista y a la que dio forma y contenido el guión del reconocido falangista Julián Pemartín. Las arengas del protagonista, siempre "en el nombre de Dios", a los vecinos del pueblo para linchar a la malvada Tía Pelocha y su lucha denodada contra el gigante Caramanca no ofrecen dudas acerca de su catadura fascista, y ejemplifican la cruzada de Franco contra los que él consideraba "los enemigos de España". El anecdotario recoge que, en la noche del estreno en Madrid el 23 de noviembre de 1945, fue Arturo Moreno quien acabó saliendo al escenario a glosar las virtudes de la película en lugar del previsto Pemartín, ya que Hitler había perdido la guerra y el gobierno franquista necesitaba urgentemente comenzar a acercar posiciones con los ganadores del conflicto bélico. El habitual discurso antiamericano de Pemartín y su afiliación proalemana no hubieran sido pertinentes en aquellos delicados momentos.
Una de las más interesantes y menos conocidas personalidades del show business americano fue Hans Conried, actor de una calidad muy superior a la de la mayoría de los papeles que le tocó interpretar en su dilatada vida profesional. Dueño de una sensacional comicidad basada, muy a menudo, en la gestualidad y la mueca, fue calificado por la mordaz Hedda Hopper desde su columna como un actor "plagado por múltiples talentos". Con una espectacular carrera configurada por cerca de 10.000 programas de radio, centenares de shows televisivos y obras de teatro y más de 80 películas, Conried se apoyó en una excelente voz perfectamente modulada y de ilimitada versatilidad que acabó por convertirse en su marca de fábrica.
Conried se convirtió en una voz familiar en multitud de programas radiofónicos, adquiriendo una notable popularidad a partir de su participación en el George Burns and Gracie Allen Show. Debutó en el cine en 1938, trabajando -casi siempre sin acreditación- en películas como "Passage to Marseille" o "The Barkleys of Broadway" hasta comienzos de los cincuenta. 1953 fue su gran año, protagonizando "The 5.000 fingers of Dr. T" como el siniestro profesor Terwilliker (tal vez, su personaje más conocido por el gran público) y debutando en Broadway con el musical de Cole Porter "Can-Can". Un año antes, había aparecido en dos episodios de "I Love Lucy" junto a Lucille Ball y Desi Arnaz, primero como Mr. Jenkins, el comprador de muebles usados -con un evidente componente homosexual- de "Redecorating", y más tarde como el profesor de inglés Percy Livermore de "Lucy hires an English Tutor". 
Muchas fueron las cualidades actorales de Hans Conried, destacando entre todas ellas una impecable dicción, un gran dominio de los recursos de la comedia y una innata capacidad para histrionizar sus personajes hasta extremos imposibles, sabiendo siempre detenerse antes de caer en el abismo del ridículo. Estas características fueron sabiamente aprovechadas por la industria de Hollywood, cuyos estudios de animación encontraron en el actor un filón para dar voz a muchísimos personajes tanto en cine como en televisión, generalmente el villano de turno, como su magnífica creación del Capitán Garfio en "Peter Pan", la producción Disney de 1953. En la pequeña pantalla, destacó su trabajo para Jay Ward Productions dando voz al malvado Snidely Whiplash en la serie "Dudley Do-Right of the Mounties", un segmento del popular show "Rocky & Bullwinkle and Friends", y a Wally Walrus en los cartoons de Woody Woodpecker de los estudios Walter Lantz para la Universal.
Conried continuó trabajando activamente durante los años sesenta y setenta, aunque su labor se circunscribió prácticamente a seguir prestando su voz para incontables producciones, mientras aceptaba interpretar personajes característicos en algunas películas para la gran pantalla y presentar el programa "Fractured Flickers" para la televisión, además de aparecer como actor invitado en algunas de las más populares series de la época. Hans Conried falleció en 1982 a los 64 años víctima de un problema cardiovascular, dejando viuda a su esposa Margaret Grant después de 40 años de matrimonio y cuatro hijos. 
La Navidad es, en los Estados Unidos, el momento estelar del calendario junto con las celebraciones del 4 de Julio y del Thanksgiving Day. Todo parece detenerse en un instante de irritante e injustificada euforia, y los hogares se llenan de adminículos de diferentes tamaños y variadas formas que se baten en abierta pugna por el título al objeto más aberrante del Universo. Los ornamentos de Hallmarks se mezclan caóticamente con enormes bolas de cristal, lucecitas de colores, inacabables tiras de espumillón y trineos de Santa Claus de tamaño natural -con todos sus renos- encima de los tejados, cubiertos para la ocasión con piezas de blanco algodón para simular la nieve en los lugares en los cuales su presencia es poco probable. 
Los colores de la Navidad norteamericana -rojo, blanco, y el verde del brezo y de los abetos- manchan insolentemente fachadas, aceras y jardines, convirtiendo el ambiente de la vida cotidiana en algo irrespirable por espacio de, más o menos, un mes al año. Una absurda Navidad, eso sí, sin absolutamente ninguna referencia a su ascendente eminentemente religioso y con pocas connotaciones de realidad social más allá del omnipresente pase por todas las televisiones de la empalagosa "It's a wonderful life" de Frank Capra. That's America: nada hay como el sinsentido de no saber qué es exactamente lo que se está celebrando, ni porqué, pero así es desde el día en que los peregrinos del Mayflower se toparon con la roca de Plymouth en 1620.
Basándose en el cuento del mismo título de Dr. Seuss, "How the Grinch stole Christmas" (emitida por TVE con la curiosa traducción "Como pudo Odeón robarse la Navidad") fue dirigida por Chuck Jones en 1966. Esta película para la televisión se ha convertido, desde entonces, en uno de los TV Christmas Special predilectos en los EUA, no solo por tratarse de un relato de uno de los autores nacionales de referencia, sino por el magnífico tratamiento que dieron a la historia Charles M. Jones y su habitual equipo de colaboradores, con Ben Washam y Maurice Noble a la cabeza. Naturalmente, en la versión al castellano se nos escamoteó la voz original del narrador, ni más ni menos que el mismísimo Boris Karloff. El Grinch aparecería todavía en otro especial producido en 1977 por Depatie-Freleng, "Halloween is Grinch's Night", ganador de un premio Emmy.
A partir de aquí, dará comienzo una pesadilla que marcará un punto de inflexión en el ámbito de los espacios dramáticos en Televisión Española, un rotundo triunfo del realizador Antonio Mercero que, aún hoy en día, plantea las mismas dudas y se nos aparece tan terrorífica e inquietante como cuando fue estrenada en 1972. El guión de "La Cabina", un trabajo conjunto del propio Mercero y de José Luis Garci basado en un relato corto de Juan José Plans, contiene muy pocas expresiones verbales, dejando para el rostro del protagonista, un immenso José Luis López Vázquez, la tarea de transmitir el tormento físico y psicológico, la terrible ansiedad y el inabarcable miedo padecido por esta encarnación del hombre de a pie, del ciudadano medio, del rostro mediocre y repetido de la calle. López Vázquez, quien acababa de dar el do de pecho en la película de Jaime de Armiñán "Mi querida Señorita", echó el resto en esta interpretación considerada una de las mejores de toda su carrera, una extenuante prueba de habilidad gestual en la cual convierte en creíble la situación absurdamente macabra en la que se ve fatalmente envuelto su personaje. 
Muchos fueron los intentos por desvelar el verdadero sentido de la espantosa fábula que propone "La Cabina", algunos de ellos puestos en práctica por plumas de la mayor categoría filosófica o literaria. Ciertos autores afirman que se trata de una metáfora acerca de la situación política y social en una España próxima a la muerte de Franco. Otros proponen -desde un evidente punto de vista fellinesco- una lectura religiosa partiendo de que el helicóptero que acompaña al protagonista hasta el siniestro almacén final de las cabinas podría representar el Espíritu Santo (¿?). De todo se ha dicho y se ha especulado sobre las verdaderas intenciones de este mediometraje de 35 minutos que, en boca de su autor, no pretendía ejemplarizar ni proponer ninguna moraleja sino que, en realidad, no se hallaba tan lejos del terror y la ciencia ficción en su estado más puro, al estilo de las narraciones cortas de las que se nutrían programas de televisión como "Night Gallery", "The Outer Limits", "The Twilight Zone" o las producciones españolas "Historias para no dormir", "El Quinto Jinete" o "Ficciones".
Así, cabe deducir que gran parte de la frescura y actualidad que sigue conservando "La Cabina" tiene su razón de ser en esa capacidad para admitir múltiples interpretaciones y lecturas distintas, las cuales pueden ir en un sentido u otro en función del espectador, de su capacidad para asimilar lo absurdo o de su necesidad en encontrar una explicación razonada para todas las cuestiones de la vida.
Hace pocas semanas publiqué un post acerca de la vida y obra de Boris Karloff. Supongo que, desde entonces, Bela Lugosi ha estado removiéndose inquieto en su tumba en la umbría del Holy Cross Cemetery en Culver City, LA, California. Hoy pretendo desagraviarle, no sea que busque venganza inmiscuyéndose en mis habituales pesadillas, bastante alejadas, por cierto, del encantador ambiente de las películas de terror clásicas de la Universal Pictures, estudios de los cuales Lugosi fue una de sus más importantes estrellas durante la década de 1930, trasladando al cine su personificación del vampiro aristócrata, culto, refinado y gentleman, a infinita distancia de su más directo antecedente, el no-muerto primitivo y de reacciones casi animales plasmado en la obra maestra de F. W. Murnau "Nosferatu", en la Alemania expresionista de 1922. El vampiro de Lugosi, capaz de desenvolverse en los más selectos ambientes de la high class londinense con la misma soltura que demuestra entre los oscuros muros de su castillo en Transilvania, viste eternamente sus chaqués de satinadas solapas, blancas corbatas de lazo y negras capas confeccionadas por el mejor sastre de Bond Street. Su Conde Drácula, de tan elegantes maneras que nunca se mancha sus guantes de hilo de la sangre de sus víctimas, se codea con la alta sociedad de Kensington y Maida Vale en el Royal Albert Hall y el Covent Garden, mientras decide si su próxima víctima será una humilde vendedora de flores o una exquisita demi mondaine de moral distraída. Esta encarnación del personaje de Bram Stoker dio a Lugosi la fama universal, quedando como el arquetipo del vampiro en la memoria colectiva de públicos de todo el mundo. 
Béla Ferenc Deszö Blaskó nació en Lugos (en el antiguo imperio austro-húngaro) en 1882. Muy jóven, comenzó su actividad como actor bajo el seudónimo de Arisztid Olt representando toda clase de dramas shakesperianos en los escenarios y en películas mudas producidas en su país, hasta que el estallido de la Primera Guerra Mundial le obligó a servir en el ejército austro-húngaro, alcanzando el grado de teniente de infantería. Acabado el conflicto bélico, marchó a Alemania, donde trabajó en diferentes producciones cinematográficas. En 1920 emigró a los Estados Unidos, donde entró ilegalmente por Nueva Orleans, aunque en 1921 se reconoció legalmente su situación, pudiendo comenzar a trabajar en el cine. En 1929 ya era un personaje conocido en la sociedad de Hollywood, a la que escandalizó casándose con la millonaria viuda Beatrice Weeks y divorciándose de ella solamente tres días después. Malas lenguas citaron a la actriz Clara Bow como la tercera en discordia en este conflicto matrimonial.
"Transylvania 6-5000" (A Warner Bros. Merrie Melodies, Chuck Jones, 1963) fue uno de los más peculiares coqueteos de Bugs Bunny con el outré. Su título -un juego de palabras con el nombre del famoso tema musical de Glenn Miller- no deja lugar a dudas acerca de su naturaleza creepy. Los guiños al cine fantástico son constantes en este corto, que cuenta con hilarantes gags alrededor de un libro de magia negra que Bugs encuentra en los estantes de la habitación-trampa que el conde ha dispuesto para él. 
A destacar la magnífica escenografía del castillo del conde a cargo del gran Philip Deguard, uno de los mejores diseñadores de backgrounds de la historia de la animación. Deguard creó, asimismo, los fondos para la delirante casa de la bruja Hazel en otro corto protagonizado por Bugs Bunny, "Bewitched Bunny", en 1954.
Todos sabemos que Marte es un planeta árido y desprovisto de vida, con una gravedad treinta veces inferior a la de nuestro planeta. Y eso no lo sabemos ahora sino que, hace cuarenta años, los guionistas de televisión eran perfectamente conocedores de ello. Por suerte, Hollywood siempre se ha caracterizado por tomarse a la ligera el frío dato científico (¿qué hubiera sido sino de la ciencia ficción?) y ha optado por imaginar criaturas com0 el marciano de mediana edad que llegó a la Tierra en su nave espacial en 1963 y se quedó entre nosotros al descubrir que nuestro planeta sería para él un maravilloso oasis en el que pasar una feliz y plácida jubilación. Que la agradable temperatura de California le parecería un infierno, que el exceso de oxígeno del aire le ahogaría o que la gravedad le impediría moverse no fueron en absoluto elementos a tener en cuenta a la hora de diseñar este personaje, a medio camino entre Klaatu y el quiosquero de la esquina.
De entre las vamps que los estudios de Hollywood trataron de imponer en la pantalla durante la década de los cuarenta, destacaron especialmente algunos bellísimos ejemplares que tendrían, más tarde, una trayectoria cinematográfica con mayor o menor fortuna. Mientras que la habitual miopía de la Metro Goldwyn Mayer le hacía ceder a otras productoras a su recién descubierta Ava Gardner, la Universal puso mucho empeño en promocionar su más fresco material para la temporada de 1945, una joven Yvonne de Carlo que iba a afrontar su primer papel protagonista en "Salome, where she danced" después de cinco años de papelitos intrascendentes en los que, sin embargo, se hacía ya muy evidente su calidad de estrella en ciernes.
Los films de exóticas aventuras se turnaron, a partir de 1945, con westerns de bajo presupuesto, alternando estas producciones con películas que llegarían a alcanzar la categoría de clásicos del Cine Negro, como "Brute Force" o "Criss Cross", ambas junto a Burt Lancaster y en donde Yvonne brilló con luz propia en sendos papeles que parecían haber sido escritos para ella.
En 1956, y a las órdenes de Cecil B. de Mille, interpretó a Sephora, la esposa de un alucinado Moisés-Charlton Heston en la versión en color de "Los Diez Mandamientos", y en donde obtuvo las mejores críticas que le ayudaron a levantar una carrera aquejada de frecuentes altibajos. De Carlo encarnó el que sería su último gran papel en la pantalla grande en "Band of Angels", junto a Clark Gable en 1957 y dirigidos por Raoul Walsh. Este remedo de películas de la Guerra de Secesión, a medio camino entre "Jezabel" y "Lo que el viento se llevó", no obtuvo, pese al holgado presupuesto con el que fue realizada, el éxito que se le suponía, en parte debido a un ya muy envejecido Gable que no podía -por mucho que lo intentara- seguir con su arquetipo de galán-canalla por excelencia. En ese mismo año de 1957, editaría un LP con standards llamado "Yvonne de Carlo sings", que aprovechaba su bien timbrada voz desarrollada en sus años juveniles en el coro de su iglesia anglicana en Vancouver.
Cuando la serie se cerró en 1966, Yvonne de Carlo frecuentó los escenarios con producciones musicales como "Pal Joey" o "Catch me if you can". En este sentido, su mayor éxito fue su papel de Carlotta Campion en la producción de Broadway del aclamado musical de Stephen Sondheim "Follies" en 1971, y en donde cantaba con gran entrega el clásico "I'm still here". En lo referente a su carrera cinematográfica, frecuentará producciones ciertamente menores, muchas de ellas de los géneros de terror y fantástico exprimiendo el recuerdo de su personaje de Lily Munster. A partir de la década de los ochenta, su actividad profesional fue espaciándose progresivamente. En 1997, tras la muerte de su hijo Michael -fruto de su matrimonio con el stuntman Robert Morgan (1955-1974)- Yvonne se retiró a la comunidad de reposo de Black Lake, hasta que su delicada salud aconsejó su ingreso en el Motion Picture & Television Hospital, en Woodland Hills, California. De Carlo falleció el ocho de enero de 2007, a los 84 años de edad, cerca de las colinas de aquel Hollywood al que había dedicado los mejores años de su vida.
